Marie France Uzac

Vivement demain, 2007. Fusain sur papier miroir, vitre et bois de hêtre.

"Les quatre dessins racontent une histoire à interpréter. Cette histoire ressemble à un rêve nocturne qui s'efface au petit jour. La forte présence des encadrements enferme les dessins dans une boite hermétique, d'où le personnage voudrait peut-être sortir. D'ailleurs la pièce a été fabriquée pour ne jamais s'ouvrir. A moins qu'il ne s'en évade par le truchement de son imaginaire, tel un insecte de collection, il est fiché. Cette histoire tragique ressemble à s'y méprendre à celle de tout artiste"

Staff pour une fleur coupée, 2007. Contreplaqué marine, miroir, fleur, staff.

"Contreplaqué marine, miroir, fleur coupée, staff : mélange de plâtre, ciment, glycérine, dextrine, branche de     Gypso-phile, etc. employé en guise de pierre pour la décoration architecturale des constructions temporaires. Ce "staff" censé émerger du mur, se trouve dans l'idéal inclus dans un plaquage mural du même bois. La pièce se trouve ainsi englobée de la matière bois, ici du contreplaqué navire qui se prête au cintrage et possède une belle luminosité. Le bois qui est également très présent dans vivement demain reflète dans toutes mes propositions entre 1998/2008, un lien à la lumière réfractée dans la nature. La lumière dont je dis qu'elle vient du sol et qui nous parvient indirectement. Ce principe est la base de ce travail pour lequel le bois reste nu, dépourvu de tout vernis, car n'importe quelle protection du bois nous couperait de cette douceur naturelle. La fleur coupée est un déplacement proche du système artistique, qui apporte à la réflexion des éléments disparates, et construits, ou plutôt reconstruits. Ce fragile élément floral qui fane assez vite nous rappelle la fugacité du vivant et rejoint si nécessaire, la pensée liée aux Vanités. Sa présence sollicite aussi la notion d'entretien, lui donner de l'eau et changer de fleur régulièrement, ou la laisser faner. Ainsi le choix de la fleur et son identité peuvent influer la signification de la pièce."

Rémi Uchéda

Plier, 2014. Structures de chaises pliées, acier chrome, bois, cuir. Structures de chaises pliées, acier chrome, bois, cuir, 44 x 55 cm chacune (x6).

Je suis curieux de tous les objets dotés d’un cadre qui nous permettent d’adopter telle ou telle position, de tout ce qui est pied, empiètement, que cela soit celui d’une chaise, d’un échafaudage ou encore un cadre de vélo... Je m’intéresse aussi à ce qui relie des éléments ensemble.

Mes pièces sont porteuses d’hypothèses. Je donne aux gens qui les découvrent la possibilité d’imaginer le processus qui les a conduit à devenir ainsi, j’induis à travers elles le fil d’une réflexion. C’est le cas de la chaise aplatie (Plier) qui pour moi exprime une idée sur le fil, sur la tranche. Il est évident qu’elle ne peut plus supporter le poids d’un individu, mais qu’elle a donné le plus qu’elle pouvait, comme cette gourde qui, vidée de son contenu puis écrasée, est devenue plane et n’est plus capable d’étancher notre soif. Elle a perdu sa fonction et est devenue vide de sens. Je suis dans un principe constant de reformulation, de manipulation par l’esprit.

Gourde, 2017. Gourde compressée.

J’appréhende les objets hors de tout usage, je leur donne une nouvelle intention. Ainsi, dans les parkings en forme de trombone où sont attachés les vélos, je coince des piles de courriers, des enveloppes que je fais tremper dans de l’encre bleue. Ce qui m’intéresse dans le trombone, c’est l’idée qu’il pince. Sa forme dessine une ligne qui tourne sur elle-même, deux cercles qui maintiennent des feuilles entre elles. Sa structure parle d’histoire, de correspondance et d’accu- mulation, des problématiques qui m’inspirent des glissements de sens : à qui tient-on ? Comment tenons- nous ? Qu’est-ce qui nous fait lever le matin ? À quoi cela tient d’être artiste ? Toute une série de questions qui renvoient à la structuration même de l’individu, à ses sentiments, son psychisme, sa capacité à composer un corps social et à y appartenir. Des réflexions qui dans ma pratique se manifestent par la sculpture, l’installation, le dessin mais aussi la performance.

Rémi Uchéda

Hisae Ikenaga

 

Cube of chairs, 2012. 12 chaises et vis.

Hisae Ikenaga s’attache à rendre les objets inutiles. C’est le cas de Cube of chairs, une œuvre construite à partir de 12 chaises formant un cube, où la possibilité de s’asseoir est exclue.

Only wood, 2016. Pages découpées dans des revues d'architecture et de design (x10).

" Dans ces collages inversés tout ce qui n’est pas en bois a été découpé ; l’artiste nous invite à reconstituer les intérieurs par l’imagination et à faire un voyage dans les formes et essences des bois... sans oublier ce glissement subtil dans la matière, du bois au papier et du papier au bois. "

School green, 2015. Acier peint.

 

" Dans cette pièce ce qui m’intéresse c’est qu’à première vue on

voit une ligne et en s’approchant on découvre la chaise située au centre » (Hisae Ikenaga.) Le titre de l’œuvre, School green, évoque l’enfance à l’école et le vert utilisé pour le mobilier scolaire à partir des années 1950, notamment dans l’emblématique chaise « Mullca » ".

Untitled, 2015, coin, cuir, acier chromé avec rabats (x2).

Untitled 2015, chaise longue, cuir, acier chromé.

Dans cette série, l’artiste souhaite évoquer les chaises en tubes d’acier chromé et cuir, comme le célèbre fauteuil « Wassily » de Marcel Breuer, grand admirateur de Wassily Kandisky. Ici, Hisae Ikenaga mime la structure de ces chaises avec des formes et des tailles improbables qui font disparaître l’échelle du corps. Entièrement construits par l’artiste, les éléments viennent se greffer aux murs, dans une situation qui les prive de toute fonction d’usage.

Franz Hoefner

Utrechter Huette, 2002. Vidéo sonore, 2’20’’.

Utrechter Huette est une performance de Franz Hoefner, connu à Metz comme membre du duo d’artistes Active Men, dans laquelle il transforme à la tronçonneuse une armoire murale de style “Utrecht” en maison sous le titre “Cabane d’Utrecht”. La construction d’une “Cabane d’Utrecht”, dit Franz Hoefner, vous permettra d’appréhender votre espace d’habitation d’une manière totalement nouvelle. Elle n’a besoin que de peu de place et génère du rangement... ». Entre l’apparition du performer et le découpage du mobilier, la vidéo évoque les slapsticks, films burlesques américains des années 1920, jouant d’un comique très physique parfois violent et montrant des situations outrées au-delà de tout souci de vraisemblance.

Carole Fékété 

Pension Anatoli Vassiliev, 2001. Photographies, tirage argentique.

Décors, scènes de théâtre, ces paires de fauteuils, copies d'un confort bourgeois tapissées de motifs floraux assortis aux rideaux, constituaient les salons de quatre chambres d'une pension moscovite, en 2001, la Pension Anatoli Vassiliev. Les intérieurs aux murs blancs, sans perspective ni ouverture, rappellent l'univers de Beckett, dont l'ironie serait adoucie par l'utilisation du noir et blanc, évitant de surligner le caractère kitsch des coloris des revêtements.

Torchon, 2000. Photographie, tirage argentique.

Premier travail en couleur de Carole Fékété, la série des torchons est portée par la tentative de traiter la couleur pour elle-même. Les torchons sont des objets sans qualités, et ici, investis d’une charge culturelle ancienne – voile de Véronique, suaire ou Mandylion – ils se trouvent associés à l’histoire de l’abstraction au XXe siècle, de Malevitch à Supports/Surfaces.

La table, 2001-2003. Tirage argentique.

Emblème de la réunion familiale, cette table entourée de chaises, prenant une dimension réelle et monumentale, est traitée sur le principe du motif. Dégagée de sa fonction, elle est rendue disponible pour d’autres représentations, d’autres images susceptibles de répondre par associations ou analogies, proches du signe, du blason et peut être de l'emblème. Elle relève d’une vision aérienne alors que le passage de l’horizontalité à la verticalité

induit un retournement de la table au tableau.

Jacques Vieille

Construction, 1985. Tréteaux en épicéa, contreplaqué, pastel gras noir. Deux structures composées de tréteaux empilés comme un château de cartes, dimensions variables. (Collection 49 Nord 6 Est, Frac Lorraine, Metz).

(...) Construction présente deux immenses châteaux de cartes composés de parties assemblées et répétées qui appellent à l’équilibre infini et aspirent à s’élever : les tréteaux pour supporter et élever, les plaques pour reposer et couvrir. Attentif au développement modulaire et architectural des matériaux, Jacques Vieille puise chez Vitruve (Ier siècle avant J.C.) sa réflexion sur la structure de la ville et sur l’utilisation des matériaux qui, ajoutée à la sensibilité moderne, révèle, par effet de résonances et de contrastes, la qualité spatiale cachée du volume accueillant ces étranges «plates-formes».

À travers l’équilibre visible de la structure, sorte de charpente de la pensée rationnelle, ces formes à la fois imposantes et aérées émettent un rythme élémentaire, une musique sérielle. Attaché à utiliser des dérivés rudimentaires d’éléments naturels (tréteaux en bois, contreplaqué), à questionner les fondements architecturaux des classiques, du gothique et du Bauhaus, Vieille dessine de l’intérieur, à la manière d’un bâtisseur, des lieux dans l’espace et associe la signature graphique de l’artiste à l’idée du construit. Au creux du noir velouté du pastel gras qui recouvre les plaques, l’artiste inscrit l’identité de l’indéterminé qu’il confronte aux volumes simples de la structure et de l’architecture. Il travaille à l’aide de projets et de maquettes qu’il adapte à des sites afin de vérifier l’adéquation de l’élément avec la masse ouvragée et aboutir au maximum de résonances, d’échanges et de réponses au coeur de l’occupation sensible de l’espace.

Maïté Vissault

 

Marie Legros

Marcher sur les choses, 1997. Video couleur sonore, durée 3’20 en boucle. (Collection Frac Occitanie Montpellier).

Marie Legros aborde les gestes du quotidien à travers les représentations du corps, plus spécifiquement du corps féminin. Elle adopte un point de vue proche des positions féministes initiées dans les années 1970 considérant l’intime comme territoire politique. Marie Legros explore dans son oeuvre la porosité des frontières entre sphère privée et domaine public. Marcher sur les choses transforme les chaussures à haut talon et les bas noirs, archétypes de la séduction féminine, en un outil instable de destruction ; écraser les choses fait de cet argument érotique une menace.

Gert Robinjs

Even ademhalen (Take a Deep Vreath), 2005. Installation composée d’objets divers, mobilier, métal, plastique, papier, miroir, fruits, 2 photographies de l’artiste enfant... Un performer intègre l’installation pendant le vernissage. (Collection Frac Bourgogne).

Quelques objets épars, empruntés à l’univers domestique sont disposés contre le mur selon le même angle d’inclinaison. La position naturelle d’une raclette à nettoyer le sol, posée là comme après usage, côtoie celle plus précaire d’une étagère métallique ou d’un tabouret sur lequel trône un rouleau de scotch dans son dévidoir rouge. Deux fauteuils modernes en skaï noir renversés suivent le même mouvement, l’un de face, l’autre de dos, laissant apparaître le dessous quadrillé de leurs sangles. L’ensemble ainsi bouleversé est complété par des livres et des accessoires de bureau posés sur les étagères, tenant à peine dans l’angle qui leur a été assigné. Le spectateur voulant consulter les titres des livres se surprend à incliner la tête et ainsi participer au basculement général. Le centre de gravité de l’installation semble s’être déplacé : les objets se trouvent disposés comme sur un plan invisible dont l’orientation provoque un mouvement quasi chorégraphique, une tension qui conditionne tout l’espace (...). Tout usage de ce mobilier étant exclu, on se trouve confronté, comme souvent devant les œuvres de Gert Robijns, à un renversement de l’ordre des choses nous révélant d’autant mieux leurs présences et leurs qualités spécifiques. Robijns donne à voir par un léger déplacement des objets trop manipulés pour encore les regarder.

Bettina Klein

Jean Christophe Roelens

Habiter la fantaisie de l’univers chromatique d’Olivier Messian.

Composition de 3 accords, 2017-2018, (table), contreplaqué, plaquage stratifié, moteur, béquille de couvercle de piano droit.

Chaises musicales, 2018, contreplaqué, plaquage stratifié (x6).

Nombreux sont les artistes ou les scientifiques qui se sont penchés sur les correspondances entre les sens et notamment entre l'ouïe et la vue. Le projet de recherche « Synopsie » mené depuis plusieurs années par Jean-Christophe Roelens explore les univers de compositeurs synesthètes. Dans la deuxième phase de ce projet, intitulé « Synopsie Op 2 », il se penche sur l’œuvre emblématique d’Olivier Messiaen : le Quatuor de la fin du temps. Celui-ci prend la forme d'un spectacle avec la collaboration de l'Ensemble K, donné pour la première fois le 26 novembre 2017 à l'Arsenal de Metz dans le cadre du festival "La couleur des sons" et au festival Musiques Actions et nous révèle 24 rouleaux de tapisserie représentant les visions de Messiaen déroulés simultanément à la musique du quatuor. La proposition « Habiter la fantaisie de l'univers chromatique d'Olivier Messiaen » s'inscrit dans cette démarche. Le mobilier aux couleurs des accords, décrit par le compositeur dans son monumental Traité de rythme, de couleur et d’ornitho-logie, nous immerge dans ses visions excentriques.

Yo Ota

Le Mur, 2017. Film 16mm numérisé, N/B, 7’.

Le Mur est la version filmée d’une performance de l’artiste japonaise Tatara Tara. Hospitalisée dans un hôpital psychiatrique à la suite de troubles mentaux, celle-ci a vécu dans une chambre opaque seulement meublée d’un lit. Son action reconstitue inlassablement cet espace ; elle longe les murs, tourne autour du lit, s’allonge, se lève, mesure les distances, mais les parois et le mobilier sont invisibles. Tatara Tara déplace sa performance dans les endroits les plus divers, sur un toit, à la montagne, au bord la mer, sans jamais quitter les limites étroites de cette chambre 

virtuelle. L’échappée est pourtant possible mais elle ne se produit jamais ; l’enfermement n’est plus physique alors mais mental, comme si l’espace étroit avait pris possession de son esprit, devenant le seul monde possible.

Yo Ota ne fait pas que filmer la performance, il la réinterprète à partir de sa pratique de cinéaste qui le conduit à interroger le temps cinématographique et la matière de l’image. Ainsi dans Le Mur, la caméra ne capture aucune séquence mais avance sur un mode photographique, une image après l’autre. La temporalité et le mouvement composent un événement plastique autonome, qui sépare le cinéma de ses fonctions classiques de représentation.

Patrick Nardin

Ori Levin

Nothing to Write Home About, 2012. Vidéo couleur sonore, 7’30. Version pour un moniteur d’une installation vidéo multiécrans. (Collection Frac Occitanie Montpellier).

Comme dans les scènes de poursuite des dessins animés ou du cinéma burlesque, l'artiste apparaît alternativement sur les deux écrans, s'engageant dans des actions complétées par le mouvement imprévisible des objets domestiques. Les plans fixes d'Ori Levin révèlent l’environnement de ses activites quotidiennes : la cuisine, le nettoyage et la décoration. Chacune d'elles est exécutée de manière inhabituelle, l'artiste finissant par se cacher dans son espace personnel. Son apparition et sa disparition successives sur les différents écrans évoquent un jeu de cache-cache, transformant la maison et sa routine familière en une scène d'événements suprenants, empreints de fantaisie et d'humour.